Hier ein Schmuck aus stilisierten Mandragorafrüchten aus dem Grab von  Djehuty, 1450 v.Chr.

Auch im Grab des Pharao Tutanchamun (ca. 1332 bis 1323 v. Chr., 18. Dynastie) wurden Darstellungen mit Mandragoras gefunden.

Auf dieser Abbildung (niet in der Ausstellung in Leiden zu sehen) bietet die Königin eine magische Mandragora an.

Vom 6. April bis zum 8. Juli präsentiert das Siebold-Haus in Leiden die Ausstellung  Japanische Fische von Hai bis Koi.  Es wird gezeigt, wie der deutsche Arzt und Japan-Forscher  Philipp Franz von Siebold zwischen 1823 und 1834 Fische in Japan sammelte.

Hier mein Foto der japanischen Karpfen im Botanischen Garten in Leiden:

Als Japan im Jahr 1854 die Grenzen öffnete, geriet die westliche Kunstwelt in den Bann der japanischen Kunst.

Japan zeigte seine so gut wie unbekannte Kunst auf der Weltausstellung von 1862 in London und 1867 in Paris. Japanische Kunst und Gegenstände wie Kimonos, Fächer, Lackobjekte und Raumschirme waren der letzte Schrei.
Die stilisierten Motive in der grafischen Kunst beeinflussten den Stil vieler westlicher Künstler.

Tiffany und Jugendstil sind stark vom Japonismus des 19. Jahrhunderts durchdrungen.
Hier ein Karpfen auf einem japanischen Druck:

Utagawa Hiroshige, Karpfen

Und hier ein Tiffany-Glas-Karpfen:

maria trepp

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Christiaan Huygens hat im Jahr 1659 auf eine neue Weise eine Zauberlaterne mit Linsen und Spiegeln gebaut, so dass die Laterne viel besser funktionierte als die vorherigen Schatten-Versionen ohne Linse. Huygens selbst fand die Laterna magica ziemlich kindisch und hat ihr wenig Wert beigemessen. Doch hat er selbst auch ein paar Skizzen für Laterna magica- Bilder gemacht, vom Totentanz von Hans Holbein inspiriert (die Abbildungen hier stammen aus den Oeuvres complètes, diese Bilder werden  nicht  in der Lakenhal gezeigt!)

Hier oben eine Skizze von einer Laterna magica von Christiaan Huygens, von links nach rechts: Hohlspiegel, Lampe, Glaslinse, durchsichtige Platte, Objektiv und Wand.

Laterna magica Bilder von Christiaan Huygens:  Totentanz nach Hans Holbein

Huygens selbst hatte eine einfache Bewegungs-Effekte erreicht, durch zwei Bilder schnell hintereinander zu zeigen: das von ihm gezeichnete Skelett, das auf dem nächsten Bild höflich den Kopf abnimmt, ist ein wahrer Klassiker geworden.

Hans Holbein wollte nicht nur veranschaulichen, dass der Tod kein Alter und keinen Stand verschont, sondern auch, wie der Tod mitten hereintritt in Alltag des Erdenlebens:

Es war üblich, dass Laterna Magica Bilder nach der Vorlage von Drucken hergestellt wurden, zum Beispiel von Jan Luyken, Leonardo da Vinci, Jacques Callot und Pieter Bruegel- oder wie hier, Hans Holbein.

In der Lakenhalle werden Laterna Magica Bilder aus der Werkstatt Musschenbroek gezeigt , eine Sammlung der frühesten schön bemalten Laternenbilder der Welt; vor fast drei Jahrhunderten in Leiden in der Werkstatt der Instrumentenbauer-Familie Musschenbroek fabriziert. Die Bilder variieren von Landschaften über Handwerker, komische Zwerge und Affen zu grotesken Köpfen und ausländischen Comedia dell’Arte-Figuren.

Maria Trepp

Forscher haben eine Malerei, die vor fast zehn Jahren als Arbeit von Vincent van Gogh abgeschrieben wurde, ihm jetzt aber doch endgültig zugeschrieben. Es ist ein Stillleben von einem Blumenstrauß, das im Kröller-Müller Museum hängt.

Van Gogh malte dieses Werk, „Stillleben mit Wiesenblumen und Rosen“ in Paris, als er bei seinem Bruder wohnte. Gemälde aus dieser Zeit sind schwerer als der Rest von Van Goghs Werk zu einzuschätzen, weil der Maler nicht in Briefen an seinen Bruder von den Bildern schrieb. Im Jahr 2003 wurde festgestellt, dass das Bild nicht von Van Gogh gemalt wurde, sondern von einem unbekannten Künstler.

Entdeckung durch neue Röntgen-Techniken

Mit neuen Röntgen-Techniken wurde nun entdeckt, welche andere Arbeit Van Gogh erst unter diesem Stillleben angebracht hatte. Von der Malerei von einem Paar Ringern war aus einem Brief bekannt, dass Van Gogh diese gemacht hatte. Nur die Malerei fehlte, aber die ist nun gefunden worden. Es gebe “keinen Zweifel”, dass Van Gogh beide Werke gemalt hat, beteuert das Museum.

Nach Ansicht der Wissenschaftler von der TU Delft, dem Deutschem Elektronen-Synchrotron, der Universität Antwerpen, dem Van Gogh Museum und dem Kröller-Müller Museum wird nun erklärt, warum das Tuch ungewöhnlich groß ist für Van Goghs Oevre. Dies schreibt Nachrichtenagentur Novum. Ein Lehrer an der Akademie, wo der Maler zur Zeit der ersten Arbeit studierte, soll auf dem großen Format bestanden haben.

Ab morgen hängt diese Malerei, wo sie hingehört, bei anderen Werken von Van Gogh

Die Untersuchungsresultate werden noch publiziert im Artikel ‘Rehabilitation of a flower still life in the Kröller-Müller Museum and a lost Antwerp painting by Van Gogh‘.

Das Bild selbst erhält ab morgen einen prominenten Platz unter den anderen Werken von Van Gogh im Kröller-Müller Museum, das das Gemälde seit 1974 in der Sammlung hat.

Alexander Calder

Die große Entdeckung

Gemeentemuseum in Den Haag

11. Februar 2012 – 28. Mai 2012

Weltberühmt wurde Calder mit seinen offenen Drahtskulpturen, seinem erstaunlichen Cirque Calder (1926-1931) und Mobiles, die sich durch Immaterialität und Bewegung auszeichnen. Dies machte ihn zu einem der wichtigsten Begründer der modernen Skulptur. In der Ausstellung steht der legendäre Besuch von Alexander Calder im Atelier von Piet Mondrian in Paris im Jahr 1930 zentral. Dieser Besuch stellte einen Wendepunkt in der Karriere Calders dar und öffnete seine Augen für die abstrakte Kunst.

Alexander Calder (1898 – 1976) wuchs in einer kreativen Familie auf, als Sohn eines Bildhauers und einer Malerin. Als Kind bastelte er aus den unterschiedlichsten Materialien Tierfiguren, Schmuck und kleine Skulpturen. Doch machte er zunächst eine Ausbildung zum Maschinenbauingenieur und besuchte er erst im Jahr 1923 die Kunstakademie. Seine Leidenschaft für Bewegung setzt er mit Hilfe seines technischen Hintergrunds fort in seiner Kunst;  alles, was er macht, bewegt. Diese Hinzufügung von Dynamik zu der bis dahin statischen Bildhaukunst macht ihn zu einem großen Erneuerer; nie mehr wird ein Bildhauer gesehen werden als ein Künstler, der nur mit Rohstoffen und Meißel arbeitet.

Im Jahr 1926 zog Calder nach Paris, wo er ein Atelier aufbaute an der 22 Rue Daguerre in Montparnasse. In Paris war er mit einigen Avantgarde-Künstlern befreundet, darunter Joan Miro, Jean Arp und Marcel Duchamp.

Er wurde  mit seinem kompletten Zirkus berühmt, gemacht aus alltäglichen Materialien wie Draht, Holz, Leder, Kork und Stoffstücken.

Als ein frühes Beispiel für “Performance” Kunst improvisierte er Shows, die die Vorstellung eines echten Zirkus  simulierten. Er konnte alle Figuren auf die richtige Weise bewegen lassen: Seiltänzer schaukeln, Hunde springen durch einen Reifen und der Elefant läuft auf den Hinterbeinen.

Er machte viele Zirkusartisten, von Schlangenmenschen bis zu  Schwertschluckern und Löwenbändigern. Der Zirkus passt in Koffer, ist tragbar und machte es möglich, dass Calder auf beiden Seiten des Atlantiks auftrat.

Bald wurde sein Cirque Calder bei der Pariser Avantgarde populär.

Clips von Performances stehen auf Youtube und sind auch im Gemeentemuseum zu sehen.

Der Cirque Calder kann als Beginn von Calders Interesse an Draht-Skulptur und an kinetischer Kunst gesehen werden Er hatte ein scharfes Auge für die technische Balance der Skulpturen und wendete diese Kenntnis an, um kinetische Skulpturen zu entwickeln, denen Duchamp den  ultimativen Spitznamen “mobiles” gab, ein Französisches Wortspiel, das sowohl “Mobile” und “Antriebfeder” bedeutet.  Calder gestaltete schon einige der Charaktere im Zirkus für eine Nummer, bei der sie an einem Draht aufgehängt waren.

Nach seinem Besuch im Jahre 1930 bei Mondrian begann Calder mit Experimenten, um eine rein abstrakte Skulptur zu entwickeln. Diese Experimente führten zu seinen ersten kinetische Skulpturen , die durch Hebel und Flaschenzügen bewegt werden, und die ihn berühmt machten. Calders kinetische Skulpturen gelten als eine der ersten Manifestationen einer Kunst, die bewusst von der traditionellen Idee des Kunstwerks als einem statischen Objekt abwich. 

Das Lakenhal Museum, das städtische Kunstmuseum in Leiden, ist in der ehemaligen Tuchhalle aus dem Jahr 1640 untergebracht.

Rembrandt malte das Bild “Brillenverkäufer“ (1623-1624)  im Alter von ungefähr 17 Jahren in seiner Heimatstadt Leiden, der Wiege der niederländischen Malerei des 17. Jahrhunderts.

Der „Brillenverkäufer“ zeigt bereits die unverkennbaren künstlerischen Merkmale, mit denen Rembrandt (Leiden, 15. Juli 1606 – Amsterdam, 4. Oktober 1669) später berühmt wurde: die Kontraste zwischen hell und dunkel, lockere Farbstriche und die lebensechten Köpfe der Hauptfiguren.  Das Gemälde war ursprünglich Teil einer Serie von fünf kleinen Malereien mit dem Thema der fünf Sinne. Zwei der drei bewahrt gebliebenen Gemälde (“Fühlen” und “Hören”) befinden sich in einer Privatsammlung in New York.  Das dritte Stück („Sehen“) bleibt  nun als niederländisches Kulturerbe erhalten. 

Das Thema der fünf Sinne spielte eine wichtige Rolle in der niederländischen Druckgrafik und Malerei.  Die fünf Sinne wurden auf eine charakteristische, aber für uns nicht immer nachvollziehbare Weise abgebildet- die Allegorien, mit denen die fünf Sinne im 17. Jahrhundert dargestellt wurden, waren vielgestaltig und manchmal – zumindest in unseren Augen – weit hergeholt.

E. de Jongh schreibt in seinem  Buch über die Bedeutung der holländischen Genrebilder aus dem siebzehnten Jahrhundert:

„Seit der Antike bis ins 17. Jahrhundert wurde über die Sinne vor allem in missbilligenden Worten geschrieben. Nicht nur in den Lehren des Plato wurden die Sinne als unzuverlässig verurteilt, auch andere philosophische Systeme haben die Wahrnehmung – und in der Tat jedwede Form der Wahrnehmung – als trügerisch begriffen. Im Mittelalter und in der Renaissance betrachtete man die Sinne von einem christlichen Standpunkt aus als die Wege, auf denen Bosheit und Sünde in den menschlichen Geist eindrangen. Während des 17. Jahrhunderts jedoch veränderte sich diese misstrauische Haltung unter dem Einfluss des sich entwickelnden Empirismus, der alles Wissen in der Erfahrung begründen wollte.  Dieser philosophischen Bewegung galten die Sinne nicht als Sünde, sondern als Vermittler von Information und Beweismitteln.“

Zahlreiche Versionen der fünf Sinne wurden von Malern der nördlichen Niederlande in den ersten Jahrzehnten des siebzehnten Jahrhunderts dargestellt.

In dieser Zeit begannen Künstler in Haarlem und Amsterdam zur narrativen Darstellungen der Sinneswahrnehmung Abbildungen von Figuren aus der Mittel-und Unterschicht zu bevorzugen, anstatt wie vorher das Thema symbolisch und allegorisch zu behandeln.

Der junge Rembrandt war einer der künstlerischen Erneuerer, als er eine Reihe von kleinen Tafeln mit den fünf Sinnen (1624-1625) gemalt hat. In Rembrandts Fall werden Gruppen von drei Hauptfiguren porträtiert, die Typen der Mittel- und Unterschicht repräsentieren, die sich mit Aktivitäten der fünf Sinne beschäftigen: sie singen für “Hören”,  sind beim „Steinschneiden“ in “Fühlen”, und kaufen Brillen  in “Sehen”.

Rembrandts Figuren sind mit ihren Handlungen beschäftigt und nehmen wenig Notiz von dem Betrachter. (Siehe auch den Artikel von Noël Schiller)

Maria Trepp www.passagenproject.com

Der Symbolismus ist in den letzten Jahren wieder aktuell.

Diese Kunstrichtung entstand am  Ende des 19. Jahrhunderts als Reaktion auf den Impressionismus und als Reaktion auf die zunehmende Industrialisierung und den Materialismus in Europa. Künstler wollten Träume und Visionen darstellen statt der sichtbaren Wirklichkeit. Ihre Werke waren Resultat einer Sehnsucht nach Schönheit und ästhetischer Raffinesse, nach geistigem Adel, Spiritualität, Mythologie und Abstraktion.
Der Symbolismus vereinte eine kleine Gruppe von Künstlern, die Theorien aufstellten, und von der Einheit der Künste träumten.
Eine Reihe von Werken von Vincent van Gogh kann als symbolistisch eingeordnet werden, insbesondere die Werke, die im Kontakt mit dem symbolistischen Träumer Gauguin geschaffen wurden. Aber auch die Tatsache, dass Van Gogh stark von Ideen beeinflusst war, und sich lange mit einem bestimmten Thema beschäftigte, bevor er ein Bild machte, rückt ihn in die Nähe anderer Symbolisten. Seine Bilder enthalten tiefere Bedeutung, verborgene Symbolik und Verweise auf Literatur und Musik.
Hier ein paar Beispiele von symbolistischen Themen in Gemälden von Vincent van Gogh:
Natur und Suggestion: die Landschaften der Symbolisten sind mehr als eine getreue Darstellung der Realität, sie sind ein Spiegelbild der Gefühle, die die Natur bei dem Künstler evoziert. Hier “Weiden bei Sonnenuntergang”: beachten Sie vor allem die Strahlen der Sonne.

Träume und Visionen: Einige Symbolisten malten Träume und Visionen, die Welt hinter der beobachtbaren Realität. Hier Van Goghs “Erinnering an den Garten in Etten” Arles, 1888.

Die Stadt als geheimnisvolle Traumlandschaft: Caféterrasse bei Nacht

Der Kosmos: Van Gogh zeigte in seinen Landschaften seine Ideen über die natürlichen Kräfte, die kosmische Energie und die Bedeutungslosigkeit des Menschen gegenüber der Natur.

Vincent van Gogh, Sterrennacht, 1889

(Hier eine phantastischer interactiver Video Starry Night)

Vincent van Gogh, Sterrennacht over de Rhone

Maria Trepp www.passagenproject.com

Ich weiß noch nicht, was im Cobra-Museum ausgestellt wird, aber ich lasse hier einige meiner Lieblingsgemälde von Klee sehen, und von dem niederländischen COBRA-Mitglied, Dichter und Maler Lucebert, der sich in Gedichten und in seiner Kunst auf Klee bezog.

Paul Klee, Maske, 1922

Paul Klee, Marionette 7a, 1923

Paul Klee, Clown, 1929

Paul Klee, Clown, 1929

Paul Klee, Dierentuin Tiergarten

Paul Klee, Schlange

Die Schachbretter werden bunt und flexibel:

Paul Klee, Colourful life outside (Draussen buntes Leben)1931

Paul Kee, Bluehendes, 1934

Paul Klee, Kat en vogel [Katze und Vogel]

Paul Klee Frau mit Hut

Paul Klee, Taenzer

Paul Klee, Angelus Novus (im Besitz von Walter Benjamin, der einen berühmten Essay  hierüber schrieb:  der Engel der Geschichte)

Paul Klee, Distel, 1919

Paul_klee_duinlandschap_dunes

Paul_klee_opkomst_van_de_maan_st_germain_tunis_1915

Paul Klee_Vollmond

Und nun Gemälde von Lucebert, aber erst ( auf Niederländisch) sein Gedicht: „klee“

in het verheugde venster geuren de gekleurde vruchten van de dingen

in rust geuren de huid het hart geuren de ogen en mond

het hart kust zijn venster

de huid ontsluit zich

de ogen kijken naar buiten

waar de mond wuift naar boven

overal bloeien de mensen wuivende bloemen geurige huizen

zij evenaren de aarde

zij vliegen in ronde en gebogen vruchten door het hoge hoofd van de lucht

zuchten als de huiverende watervallen zij zingen

in spiegelgladde cirkels

zo ontwiklen zij de wereld:

de brandende draad van de geurende aarde loopt langs het gekleurde raam van de mensen

Lucebert, De droom van Apollinaire (Apollinare’s dream), 1972

Lucebert,_Die_Kuehe_1959

Lucebert naakt met bloemen (nude with flowers)

Lucebert, Orfeus_en_de_dieren

Lucebert, Nachtengel_1990

Lucebert, Oude_engel

Lucebert, De_dichter_voedt_de_poezie

lucebert_dierentemmer_1959.jpg